Il giardino delle vergini suicide

Tratto da un romanzo di culto dei primi anni Novanta (Jeffrey Eugenides, «Le vergini suicide», Mondadori), esce – a più di un anno dalla presentazione a Cannes – il primo lungometraggio di Sofia Coppola. Sottovalutato dalla critica e destinato al tritatutto degli esperti (televisivi e non), Il giardino delle vergini suicide è uno dei film sugli adolescenti più disperati e autentici mai realizzati.
Provincia americana, anni Settanta: cinque sorelle bionde, belle e misteriose sono l’oggetto del desiderio dei compagni di scuola, che ne spiano i movimenti e ne studiano i comportamenti. La tragedia annunciata arriva subito, con la più piccola che dapprima cerca di uccidersi e alla fine ci riesce, segnando tutto lo svolgimento della storia fino alla luttuosa chiusura. In mezzo, un teen-ager movie esistenzialista e vagamente allucinato che, a dispetto del tono indiziario della narrazione, rinuncia a offrire una vera spiegazione dell’accaduto. I misteri rimangono irrisolti e la curiosità dei ragazzi cui è affidata la narrazione inappagata. Non c’è niente da capire nel suicidio delle cinque sorelle Lisbon, niente che possa essere ricondotto a un coerente sistema causale. È vero, la madre è un’arpia bigotta e il padre un vecchio ragazzo inconcludente e debole, il ridicolo Dominic si innamora vanamente di un’altra e il bel Trip Fontaine fugge dopo una notte d’amore, ma tutto questo non basta. Tutte le piste sono false, tutte le ipotesi parziali. Il malessere che affligge mortalmente queste ragazze viene dall’interno, come il cancro che mina gli olmi del viale e il sangue mestruale che periodicamente esce dal loro corpo. Ma non si va oltre, e sorge il sospetto che anche questa simbologia non faccia altro che aggiungere un ulteriore tassello allo scacco del narratore.
Il mistero, doloroso e tragico, dell’adolescenza rimane insondabile, e anche il film resiste all’interpretazione. L’unica chiave – ma non si tratta di una chiave d’accesso, bensì piuttosto della dichiarazione di un’esclusione – è data da Cecilia, che allo psicanalista (colui che di mestiere interpreta la psiche) dichiara: «È evidente che lei non è mai stato una ragazzina di tredici anni». Questa battuta, nella sua disarmante ovvietà, riassume il senso del film e spiega la distanza cui tutti – adulti e spettatori – vengono tenuti. La tragedia adolescenziale di non poter condividere l’esperienza si traduce, nel film di Sofia Coppola, nella dimostrazione della vanità di ogni racconto. La logica viene sconfitta e rimane soltanto il dolore. (luca mosso)

Le ragazze della Casa Bianca

A quattro anni dal Watergate uscì
Tutti gli uomini del presidente
, passioni civili e regia di grande tensione. Ventotto anni dopo il cinema americano rivede la Storia con le armi della frivolezza e del ridicolo. Due liceali sciocchine diventano accompagnatrici ufficiali del cane di Richard Nixon; una di loro si innamora anzi platonicamente di «Dick» (senza badare al doppio senso con il membro virile, che in inglese è assai familiare). Ma poi sentono per sbaglio un nastro dove l’incazzoso e antidemocratico Nixon se la prende con gli ebrei (nonché con il cane), e decidono di fargliela pagare. Consegnando un documento compromettente ai due giornalisti del «Washington Post» in cerca di scoop. È abbastanza impressionante non tanto che Nixon sia ridotto a una caricatura (e Dan Hedaya è bravissimo), ma che la stessa fine la facciano anche i due eroici giornalisti. Quando si dice la fine delle ideologie.
(alberto pezzotta)

Spider-Man 3

Peter Parker ha trovato l’amore e la propria dimensione di eroe dotato di super poteri al servizio della più che mai splendida New York. Ha regolato i conti con i nemici che minacciavano la città e tutto sembra perfetto, ma una meteora precipita durante una romantica notte stellata preannunciando una minaccia e la carriera di attrice della dolce Mary Jane non brilla a Broadway. Nel frattempo un malvivente evaso dal carcere è vittima di un esperimento scientifico e si trasforma nel tremendo Uomo Sabbia. L’amico/nemico Harry Osborn non si dà pace per la morte del padre e ne raccoglie l’eredità nelle vesti del Nuovo Goblin, nel proposito di vendicarsi di Spider-Man. Inoltre un intraprendente e spregiudicato
free-lance
cerca di sottrarre il posto di fotografo del povero Peter al
Daily Bugle,
diventando Venom, la sua nemesi e il suo nemico più terribile.

La recensione

L’attesa è terminata e finalmente il terzo episodio cinematografico di Spider-Man arriva nelle sale con i consueti numeri da record: anni di lavorazione, migliaia di persone coinvolte, budget elevatis

Elizabethtown

Drew Baylor (Orlando Bloom) ha fatto perdere milioni di dollari all’azienda produttrice di scarpe per cui lavora come designer. Il fiasco della calzatura sportiva di sua creazione è tale che il giovane pensa addirittura al suicidio. Ma mentre sta trasformando la sua cyclette in un’imporabile macchina di morte, riceve la telefonata della sorella minore che gli comunica la notizia della morte del padre. Bisogna recuperare la salma e organizzare la cerimonia funebre a Elizabethtown in Kentuky, città d’origine del genitore, dove è avvenuta la disgrazia. Drew si scrolla di dosso la delusione per il fallimento professionale e parte in aereo alla volta del Kentuky. Sul suo volo, dov’è l’unico passeggero, conosce la bella hostess Claire (Kirsten Dunst) che lo consola riuscendo anche a lasciargli il proprio numero di telefono nella speranza di rivederlo. Drew arriva ad Elizabethtown e affronta tutti gli inconvenienti della situazione con responsabilità e tatto, guadagnandosi così la simpatia della gente della piccola comunità. Una sera chiama Claire e i due iniziano a frequentarsi. Ol’inizio di una dolce storia d’amore che porterà il giovane Drew a ritrovare se stesso.
Cameron Crowe, (Quasi famosi, e Vanilla Sky), confeziona una piacevole commedia romantica affiancando le due star Orlando Bloom e Kirsten Dunst. Esordisce con la rappresentazione del fallimento e dell’illusione del pluricelebrato sogno americano come già aveva fatto nel film con Tom Cruise, ottenendo i medesimi brillanti risultati. Ci si diverte e ci si emoziona partecipando attraverso l’occhio di Crowe al fiasco del povero Drew e alla sua autocommiserazione.
Nel prosieguo della pellicola è proprio il personaggio interpretato da Orlando Bloom a entrare nelle simpatie dello spettatore con le sue fragilità, le puerili nevrosi e l’affascinante timidezza. Kirsten Dunst invece abbaglia la scena con la sua bellezza e la vitalità del suo personaggio, ma tra i due protagonisti manca quella chimica che renderebbe la loro storia irresistibile. Ci sono la tenerezza e l’innocenza dell’innamoramento ma nessuna traccia di quell’energia straripante che il vero amore suscita. Il resto della vicenda non manca di intrecci interessanti e brillantemente divertenti grazie all’ottima interpretazione di tutto il cast e alla buona ideazione dei dialoghi. Brilla per intensità drammatica la performance di Susan Sarandon, la madre di Drew, che durante il party in ricordo del marito si esibisce in un emozionante quanto nostalgico tip tap sulle note di Moon River. La pellicola trova il tempo di trasformarsi anche in film on the road in cui Drew, attraverso una sorta di guida turistica realizzata da Claire, attraversa in macchina gli Usa visitando luoghi affascinanti e bizzarri.
Un lavoro che nelle intenzioni iniziali sicuramente voleva dire molto di più, presentando un dramma familiare, una storia d’amore e il percorso di rinascita spirituale di un giovane, ma che poi, nella sua realizzazione, si perde in soluzioni narrative ordinarie senza approfondire in modo significativo le tematiche affrontate. La regia è in ogni caso apprezzabile nelle sue soluzioni visive e, insieme a una colonna sonora ben costruita dati i trascorsi professionali di Crowe come redattore del magazine Rolling Stone, la pellicola risulta di gradevole intrattenimento. (mario vanni degli onesti)

Marie Antoinette

Storia della regina di Francia Maria Antonietta d’Asburgo-Lorena, moglie del re Luigi XVI. Data in sposa al giovane delfino alla tenera età di quattordici anni nel 1770, la regnante di origini austriache non ebbe vita facile alla corte di Versailles: oltre all’aperta ostilità della contessa Du Barry, protetta da Luigi XV, dovette sopportare i ripetuti rifiuti del consorte (di un anno più grande) che solo dopo otto anni si concesse. Nel 1778 Maria Antonietta diede finalmente alla luce Maria Teresa Carlotta e in seguito altri tre figli: due maschi trapassati prima dei dieci anni, Luigi Giuseppe e Carlo Luigi, e Maria Sofia Elena Beatrice, che morì all’età di un anno di tubercolosi. La pellicola si concentra sulla vita di corte della Regina, tra conflitti personali sui doveri del ruolo di donna e di regnante e frivoli intrattenimenti per nobili annoiati, fino al giorno dell’obbligata fuga da Versailles e del duro confronto con la realtà.

Piccole donne

Squisita versione cinematografica del classico di Louisa May Alcott ambientato ai tempi della guerra civile che narra di quattro sorelle affiatate che finiscono per dover lasciare il loro rifugio nel New England. Un cast perfetto è capitanato dalla Ryder, la testarda Jo, con la Sarandon, quella forza della natura di Marmee. Non un momento sbagliato o una mossa falsa per l’intero film, anche se i puristi obietteranno che Marmee si riempe la bocca di tesi femministe stile anni Novanta. La veterana caratterista Wickes minaccia di rubare ogni scena in cui compare nei panni della capricciosa zia March. Sceneggiatura di Robin Swicord.

Spider-Man

«Un grande potere comporta grandi responsabilità», questo il consiglio di zio Ben a Peter Parker, un ragazzo orfano del Queens di New York, timido, impacciato, secchione e un po’ sfigato. Peter un giorno viene morso da un ragno mutato geneticamente e dal quel momento la sua vita cambia, acquista super poteri e un sesto senso fuori dal comune. Un giorno lo zio Ben viene ucciso e Peter decide così di mettere i suoi poteri al servizio della giustizia, considerando anche la comparsa del pericoloso Green Goblin, un «cattivo» che spaventa la città. In occasione del quarantesimo anniversario dalla sua prima apparizione in fumetto, l’Uomo Ragno approda sul grande schermo, frantumando negli Usa tutti i record di incassi degli ultimi anni: da
Titanic
a
Harry Potter.
Stan Lee, padre del fumetto Marvel, ha aspettato 40 anni, ma alla fine il suo sogno si è realizzato e
Spider-Man
è diventato un film, un gran bel film. Gli appassionati del comix americano non potranno bocciare la pellicola di Sam Raimi che, nella sceneggiatura e nella psicologia dei personaggi, ricalca fedelmente l’originale cartaceo. Il rischio di proporre il solito polpettone infarcito di effetti speciali era dietro l’angolo, ma si è riusciti a evitarlo, producendo un film che non stufa, ma appassiona. Il finale lascia presagire l’arrivo di un sequel e infatti è così, anzi, si parla già del terzo episodio. E un’altra saga è iniziata.
(andrea amato)

Mona Lisa Smile

Autunno 1953. Katherine Watson ottiene l’incarico di insegnante di storia dell’arte nel campus di Wellesley, nel New England. L’impatto con il prestigioso istituto non è dei migliori. Qui si formano le future mogli e madri di famiglia della borghesia americana. Le ragazze «devono» sognare l’anello di fidanzamento e non certamente l’ammissione all’università. La carriera è una prerogativa dei loro mariti. In questo clima conformista la giovane insegnante conquisterà poco a poco la fiducia delle proprie allieve, le incoraggerà a ragionare in modo indipendente e a conquistarsi spazi di autonomia. Tra le ragazze c’è Joan, in procinto di fidanzarsi e desiderosa di fare domanda d’iscrizione alla Facoltà di Legge di Yale. Giselle Levy è invece la più disinibita della classe e intreccia relazioni con uomini maturi, tra cui il professore di italiano, Bill Dunbar e il suo psicanalista sposato. Ma sarà Betty Warren, figlia di una delle più facoltose e conservatrici famiglie del paese, a dare il maggior filo da torcere alla nuova insegnante.

Mona Lisa Smile
è stato annunciato come la versione al femminile de
L’attimo fuggente
(1989). In effetti gli ingredienti che accomunano le due pellicole sono molti. Anche qui un insegnante anticonformista tenta di sovvertire le ferree regole di un istituto scolastico e si scontra con l’immobilismo della classe docente ancorata alle tradizioni. Julia Roberts come Robin Williams. Ma
Mona Lisa Smile
non commuove come
L’attimo fuggente,
che aveva più pathos, affrontava un tema delicato come quello del suicidio e scavava molto più in profondità nei drammi dei diversi personaggi.
MLS
si mantiene invece su toni più pacati, da commedia piuttosto che da film drammatico. Per metà un inno all’indipendenza delle donne e per l’altra piccolo affresco della società americana del dopoguerra. Un mondo ancora lontano dal femminismo, in cui le ragazze che si laureavano erano pochissime e la pubblicità raffigurava la donna come una perfetta massaia, accanto al tacchino o con indosso una panciera. Danneggiata da una sceneggiatura debole, la Roberts non riesce a essere trascinante come in altre passate interpretazioni e i momenti di maggior tensione emotiva sono sottolineati dagli archi della colonna sonora più che dalle battute del copione. La sensazione complessiva è quella del già visto o sentito. L’idea di fondo era interessante ed originale, occorreva però insistere di più sulle donne, il vero motore del film. I personaggi sono invece sbiaditi, poco taglienti. La colpa non è però della mediocrità degli attori ma piuttosto di quella del racconto, troppo monocorde, troppo avaro di stimoli per lo spettatore. Nessuna scena o battuta entrerà nella storia del cinema, come invece aveva fatto la celebre «oh capitano, mio capitano» de
L’attimo fuggente.
(francesco marchetti)

Wimbledon

Peter Colt (Paul Bettany) è un tennista di livello internazionale. Anzi, sarebbe meglio dire un perdente di livello internazionale. Giovane promessa che non ha mai sfondato, langue infatti ai margini delle classifiche ATP da diversi anni; ora, superata la trentina, sta pensando al ritiro.

Colt riesce però a ottenere un’ultima possibilità: una
wild card
per partecipare al torneo più prestigioso del mondo, quello di Wimbledon, e cercare di chiudere la carriera nel modo migliore possibile. Fra un match e l’altro, la sorte gli farà conoscere la giovane americana Lizzie Bradbury (Kirsten Dunst), astro nascente del circuito professionistico. Fra i due, inevitabilmente, sboccerà l’amore. Ma gli impegni sportivi sono destinati a mettere i bastoni fra le ruote alla loro relazione…

Wimbledon
è una pellicola senza troppe pretese, destinata a un pubblico che ricerca un puro intrattenimento. Una commediola romantica che soddisferà gli spettatori che sapranno entrare in sala nel giusto
mood
.

Si tratta infatti di un prodotto onesto, che si avvale innanzitutto di una sceneggiatura spesso spassosa. Le scene più godibili sono certamente quelle che vedono protagonista lo scalcinato agente/procuratore di Peter, Ron, interpretato da Jon Favreau, attore molto simpatico e con un volto azzeccatissimo. Del resto, lo sceneggiatore Adam Brooks si era già appoggiato molto sul carisma di un singolo attore ai tempi del divertente
French Kiss
, il cui protagonista era Kevin Kline, certamente uno dei più grandi attori brillanti dell’ultimo ventennio.

I due protagonisti, belli e atletici quanto basta, completano un cast scelto con una certa cura; ne fa parte anche il poco espressivo Sam Neill, che interpreta il padre della bella e impossibile Lizzie (e fa sempre più o meno le stesse facce sorprese di quando vedeva fuggire dalle gabbie i tirannosauri di
Jurassic Park
…).

Gli schemi della commedia sentimentale sono appena leggermente variati dalla caratterizzazione di perdente del protagonista, vero motore della vicenda, e arricchiti da qualche tocco di qualità: da segnalare il cameo del grandissimo John McEnroe, uno dei più grandi eroi di Wimbledon di tutti i tempi. In ogni caso, le particolarità del film si fermano qui: gli autori non hanno certo calcato la mano, infarcendo la storia di carrettate di scene sentimentali più o meno già viste e provvedendo a ricoprire di melassa il (lietissimo, naturalmente) finale. 
Solo per gli amanti del genere, in definitiva, o al massimo da vedere con gli amici e le amiche del circolo del tennis.
(michele serra)

Levity

Manual Jordan esce di prigione. Ha scontato diciannove anni per avere ucciso in gioventù un ragazzo, Abner Easley era un giovane studente che lavorava come commesso nel negozio che Manual e altri due suoi compari volevano rapinare. Da allora il commesso è diventato una presenza costante nella sua vita. Ora che è uscito dal carcere, Manual si trova faccia a faccia con il passato. Entra in contatto con la sorella della sua vittima, cerca di instaurare un rapporto con lei senza svelare la sua identità. Intanto lavora come custode presso un centro sociale gestito dal pastore Miles…

Può un uomo che ha commesso il più atroce dei crimini riabilitarsi con la società e con se stesso? Questo l’interrogativo che il film sembra porre. Una storia sulla redenzione dei peccati che si mette dalla parte di Caino, analizzando il suo percorso. Una strada lunga per chi si trascina il peso del rimorso. Il protagonista non può tornare indietro nel tempo ma può aiutare gli altri a non commettere i suoi stessi errori. La pellicola porta a galla anche il problema della rieducazione del criminale: Caino può essere più utile se gli viene permesso di aiutare il suo prossimo. Dal macrocosmo della società, che deve essere protetta e rassicurata, l’obiettivo si sposta sul microcosmo della singola vita umana, che deve essere recuperata, sulla pecorella smarrita che deve essere ritrovata. Dal punto di vista tecnico,
Levity
è un film di istantanee con una bella fotografia. Diciannove anni di prigione sono angoli, muri, soffitti, uno spazio troppo piccolo per un ricordo in movimento. La lentezza è palpabile. Billy Bob Thornton offre il suo viso, le sue espressioni, i suoi capelli lunghi e grigi. E tutto questo basta. Il carcere limita i suoi movimenti e appesantisce i suoi muscoli. La leggerezza diventa un bene inestimabile, l’oro per l’anima e il corpo. In questo senso Thornton ci fornisce un’altra grande prova recitativa. Il regista non riesce però a evitare un finale scontato e il film perde quota in dirittura d’arrivo anche perché vengono un po’ sprecate le potenzialità di personaggi come il pastore Miles (Morgan Freman), lasciando un po’ d’amaro in bocca allo spettatore.
(francesco marchetti)

Il Corvo III: Salvation

Alex Corvis finisce sulla sedia elettrica la notte del suo ventunesimo compleanno. È accusato di aver ucciso la fidanzata Lauren con 53 pugnalate, si proclama innocente ma in pochi gli credono. Torna in vita, adesso è il corvo e dovrà risolvere il mistero dell’omicidio della ragazza e smascherare il suo assassino. Ma la sua ricerca lo porta in un mondo in cui i poliziotti proteggono il cuore più violento della città, fatta di vizi e corruzione. Alla sua terza edizione, il Corvo interrompe le storie dei personaggi protagonisti degli episodi precedenti e ripropone, ancora una volta, le tematiche dell’amore eterno, del castigo e della perdita tragica. Fin dall’inizio si capisce come andrà a finire, molte scene sono déjà-vus che appesantiscono la trama, del tutto priva di tensioni e suspance. È veramente deludente, come il secondo. Insomma, se una persona cerca un po’ di brivido, in questa pellicola non lo trova.
(fabio bonvini)

Ragazze nel pallone

Un gruppo di cheerleader deve lottare per vincere, per il sesto anno consecutivo, il premio nazionale come tifoseria migliore. Il nuovo capitano (Kirsten Dunst), tra errori e sfortune, ex fidanzati e nuovi amori, arriverà alla finale con orgoglio. Un incrocio tra
Berverly Hills 90210, American Pie
e
Voglia di vincere
, senza avere l’originalità di questi. Figlio di un genere che sembrava sepolto con il vecchio millennio,
Ragazze nel pallone
tira fuori tutti i luoghi comuni dei film da «high school»: buonismo, la rivale smorfiosetta, il fratellino rompiscatole, la protagonista che lascia il figo della scuola per il nuovo alunno bello e dannato, uso spropositato del dito medio e via dicendo. Le uniche scene che risvegliano minimamente l’interesse dello spettatore sono le coreografie delle cheerleader. Un po’ troppo poco.
(andrea amato)