Hamlet

L’immortale opera del Bardo, nell’interpretazione filologicamente corretta di Branagh, vive di alti e bassi. L’aggiornamento della vicenda alla seconda metà del XIX secolo smorza “a prescindere” eventuali critiche a un cast modaiolo. Jacobi (Claudio), la Christie (Gertrude) e la Winslet (Ofelia) ne escono a testa alta, benché Branagh caratterizzi la messa in scena con lo stesso approccio sopra le righe tipico di tanti suoi film. Molto discontinue anche le comparsate delle “guest star”. Splendidamente fotografato in 70mm da Alex Thomson. Panavision Super 70. Quattro nomination agli Oscar.

Creature del cielo

Cupa storia basata sul caso realmente accaduto di due adolescenti neozelandesi, Pauline Parker e Juliet Hulme, il cui legame ossessivo le condusse a un omicidio. Molto ben recitato, e magistralmente diretto da Jackson, che ci immerge nel bizzarro mondo fantastico creato dalle ragazze. La vera Juliet Hulme, si è scoperto in seguito, per anni ha scritto best seller gialli sotto lo pseudonimo Anne Perry. Jackson è anche co-autore della sceneggiatura insieme a Frances Walsh. Il director’s cut dura 109 minuti. Leon d’Argento a Venezia e nomination all’Oscar per la sceneggiatura.

Romance & Cigarettes

Stati Uniti, anni Trenta. Una famiglia dell’East Side newyorkese. Nick (James Gandolfini), il padre, è un operaio metallurgico che trascorre il suo tempo a fantasticare su una mezza prostituta (Kate Winslet) dai capelli rossi e dal gergo da scaricatore di porto, mentre la moglie (Susan Sarandon) lo aspetta disperatamente a casa con le tre figlie in pieno delirio canzonettaro che strillano nel giardino di fronte a casa. Quando la donna si accorge dei tradimenti del marito dà il via a una lotta spietata nei suoi confronti, sorretta dalla solidarietà delle figlie. L’uomo si rifugia nell’agognata avventura carnale, che però entro breve lo lascia insoddisfatto per la troppa brutalità e volgarità della partner. Stufatosi di un rapporto banale e puramente a sfondo sessuale, decide di tornare dalla dolce e triste moglie che lo accoglie in casa ma gli impone di dormire sul divano…

Iris – Un amore vero

La storia vera della scrittrice anglo-irlandese Iris Murdoch, autrice di 25 romanzi, gialli psicologici in cui vengono raccontate complicate e sofisticate relazioni sessuali. Professoressa di filosofia, la Murdoch ha sposato John Bayley, critico letterario. Nel 1997, all’età di 78 anni, le viene diagnosticato il morbo di Alzheimer. Suo marito le rimase a fianco fino alla fine, che giunse nel febbraio del 1999. Film basato su due mondi paralleli, quello del ricordo e il presente. Il primo permeato da un’aurea sognante, quasi etereo, in cui i ricordi di gioventù riaffiorano in maniera leggera, per poi diventare gabbie di dolori e dubbi irrisolti. Il presente, invece, si manifesta in tutta la sua angoscia, inquietudine, drammaticità del vivere quotidianamente in un mondo che piano piano si spegne. Incredibili Judi Dench, nella parte di Iris malata, e Jim Broadbent, nella parte di John Bayley, che riescono a trasmette re in maniera emozionante cosa prova un nucleo familiare colpito da una tragedia simile, come l’Alzheimer. La Dench è candidata al premio Oscar come migliore attrice, Jim Broadbent migliore attore non protagonista e Kate Winslet (nella parte di Iris da giovane) come migliore attrice non protagonista. (andrea amato)

Holy Smoke

Cosa succede a mettere insieme in un prefabbricato nel deserto australiano Kate Winslet e Harvey Keitel, a far correre nuda lei e vestire con un abito femminile – per di più rosso – lui? Che accade se, nel delirio collettivo, l’angelo nero destinato a fare chiarezza è Pam Grier? Cosa avviene se il conflitto natura/cultura caratteristico della civiltà australiana viene caricato a tal punto da inturgidire le immagini? Quanto di meglio, se la cineasta è Jane Campion, che rilegge i temi dei propri film attraverso il filtro ironico della cultura americana minoritaria: il gusto camp del travestitismo di un insuperabile Keitel, la controcultura della blaxploitation, gli eccessi della para-mistica californiana liberano Holy Smoke dai lacciuoli di un cinema di autore, imbriglianti per Lezioni di piano e Ritratto di signora . L’esuberanza e l’inventività visiva dei primi film della regista neozelandese fanno nuovamente capolino, filtrati da uno sguardo sardonico e distanziato. Leggerezza della maturità. ( francesco pitassio )

Quills-La penna dello scandalo

Il marchese Donatien Alphonse François de Sade è segregato nel manicomio di Charenton, istituto diretto dall’illuminato abate Coulmier. Grazie alla complicità della procace Madeleine, cui Coulmier ha insegnato a leggere e scrivere, il Divin Marchese trasmette al suo editore le proprie opere. Ma la pubblicazione di «Justine» suscita persino l’ira di Napoleone, che – su suggerimento dei suoi consiglieri – decide di inviare a Charenton il dottor Royer -Collard, noto per i metodi brutali adottati nei confronti dei pazienti, per mettere a tacere Sade. Sgombrando il campo dagli equivoci, il film di Kaufman – un ottimo regista cui si devono, tra gli altri, il primo remake de
L’invasione degli ultracorpi
e
Uomini veri
– risulta un buon lavoro (anche se a tratti tende a «formaneggiare» un po’…). Il Sade di Doug Wright – l’autore della pièce da cui è tratto il film – è essenzialmente il prototipo dell’artista maledetto: individualista, inevitabilmente geniale, in anticipo sui tempi e compulsivamente spinto a «creare» dalla propria incontrollabile natura. Wright (lo confessa egli stesso nelle accurate note del pressbook) è ossessionato dal desiderio di dare un volto a Sade. Kaufman lo segue su questa strada e mette in scena un sontuoso melodramma barocco. Fatalmente, però, la complessa dimensione dell’opera sadiana viene ridotta alla sua presunta oscenità; si mettono a tacere tutte le implicazioni linguistiche e teoriche ruotanti intorno alla sua scrittura – l’aspetto più inquietante dello sterminato corpus del Marchese – per privilegiare essenzialmente l’impatto di Sade sul costume (dei suoi contemporanei e nostro), dimenticando di fatto la sua preveggenza politica: basti pensare al pamphlet «Francesi, ancora uno sforzo». Dunque, se l’impianto teorico risulta discutibile e prevedibile, resta il versante strettamente formale, che invece conquista nonostante la presenza del sopravvalutato Geoffrey Rush. Kaufman sfoggia un occhio non banale e si inventa sequenze dal notevole impatto visionario (l’incipit, la trasmissione orale dell’opera di Sade, la follia necrofila di Coulmier). Insomma un film altalenante, che sfoggia un ottimo Joaquin Phoenix e induce a perdonare a Kaufman il precedente e pessimo Sol Levante.
(giona a. nazzaro)

Tutti gli uomini del re

Nella Louisiana degli anni Cinquanta, Willie Stark (Sean Penn), uomo di umili origini, si fa strada nel mondo della politica grazie alle sue doti di oratore che gli permettono di conquistare i cuori della povera gente (gli “zotici”, come li definisce lui) e di diventare Governatore dello Stato, a discapito di un establishment che ne vorrebbe fare il proprio uomo di paglia da sacrificare in nome degli interessi delle potenti famiglie di petrolieri. Testimone di questa ascesa è il giornalista Jack Burden (Jude Law), che pur appartenendo a un ambiente aristocratico è attratto da questo personaggio animato da un populismo, almeno inizialmente, sincero e carico di promesse. Ben presto però, Burden si renderà conto di essere diventato il passepartout utilizzato da Stark per farsi strada nei “salotti buoni” e alimentare così un’ambizione che non si fa scrupoli a servirsi di corruzione e intimidazioni per raggiungere i propri scopi, finendo così per assomigliare a quella dei “professionisti della politica”. La logica di questo esercizio del potere che non si ferma davanti a niente sarà tuttavia inevitabilmente destinata a lasciare dietro di sé un tragico sfaldamento di ideali e affetti personali dal quale non si salverà nessuno dei protagonisti.

Neverland — Un sogno per la vita

Neverland-Un sogno per la vita

mame spettacolo NEVERLAND-UN SOGNO PER LA VITA STASERA IN TV johnny e bambino
L’autore teatrale e Peter, uno dei figli di Sylvia

Risalente al 2004, Neverland-Un sogno per la vita è un film diretto da Marc Forster. Il cast: Johnny Depp, Kate Winslet e Dustin Hoffman, tre degli attori più talentuosi del mondo.

Il protagonista, James Matthew Barrie, è uno stimato autore teatrale scozzese, eppure le sue commedie non riscuotono abbastanza successo nell’ambiente aristocratico di Londra. Un giorno, incontra per caso Sylvia Llewelyn Davies e i suoi quattro figli. Da questa conoscenza nasce un profondo rapporto di affetto ed empatia tra l’autore e la famiglia, una relazione che porterà entrambe le parti al successo, ma anche alla tragedia.

Accoglienza

mame spettacolo NEVERLAND-UN SOGNO PER LA VITA STASERA IN TV johnny e sylvia
Johnny Depp e Kate Winslet in una scena del film

Il film fu presentato fuori concorso alla 61° Mostra internazionale d’arte cinematografica di Venezia. Lì, infatti, fu premiato. Gli incassi andarono oltre i 118 milioni di dollari in tutto il mondo.

Il parere del Times: “affascinante ma piuttosto eccentrico, una miscela di dramma domestico, tragedia e fantasia esuberante. Il film mescola una nostalgia struggente con la crudele delusione di un matrimonio interrotto, una giocosità e imprevedibilità infantile con un ritratto di una società rigida e spietata. Potrebbe piacere a tutti, dai preadolescenti ai pensionati, o non piacere affatto.”

Qualche critica, invece, da The New York Times e San Francisco Chronicle. Nonostante i pareri dei critici, il film ha ricevuto diversi riconoscimenti, tra cui il premio Oscar per la Miglior colonna sonoraJan A.P. Kaczmarek.

La trama commovente, in più, ha coinvolto miliardi di spettatori, i quali apprezzano tuttora il film, che ormai è diventato parte della cultura cinematografica popolare del XXI secolo.

Un sogno per la vita

Il cinema americano è abile a manipolare storia pubblica e privata, a dolcificarla, a indirizzarla per intenti patriottici, familiari, religiosi o meramente ricreativi. Ovvio che esiste anche l’altro cinema, per fortuna, come è altrettanto ovvio che il cinema «manipolato» è spesso grande cinema e grande spettacolo.

Non è il caso, purtroppo, di
Neverland, un sogno per la vita,
che Marc Forest ha ricavato da una pièce di Allan Knee, ispirata alla vita e all’opera di James Matthew Barrie, il fortunato creatore di Peter Pan, il ragazzo che non voleva crescere, che volava e conduceva gli altri bambini nell’Isola che non c’è, luogo dell’immaginario infantile, popolato da creature mostruose e favolose.

Anche senza scomodare Freud, già «in carriera» (siamo agli inizi del Novecento), è inutile ricordare a quanti riferimenti psicologici, sociologici, simbolici, mitologici abbia dato adito la creazione di questo personaggio-folletto; assai più, direi, che non Pinocchio o Alice.

Ma veniamo al film. Che segue la vita di Barrie, a Londra, a partire dal tiepido fiasco della sua ultima commedia. Nei giardini di Kensington, oziando alla ricerca di nuove idee teatrali, incontra i quattro figli di Sylvia Llewelyn, da poco vedova. Rimane incantato dai ragazzi, diventa loro amico, li coinvolge in giochi o partecipa alle loro fantasiose avventure come fosse un coetaneo; si traveste da pirata e commette stramberie da ritardato mentale, agli occhi dei cosiddetti normali; in realtà a poco a poco crea con loro quella che diventerà la commedia di Peter Pan, da cui deriveranno, in seguito, due romanzi. Se la vedova accetta incantata, il vicinato mormora (come si dice) e la di lei madre è ferocemente ostile, mentre la giovane moglie dello scrittore, sospettando una sbandata per Sylvia, finisce per tradirlo con un avvocato amico e poi per lasciarlo. Barrie riuscirà a metter su la commedia ideata con i suoi giovani amici, e sarà un grandissimo successo. Quasi contemporaneamente la vedova, ammalatasi di tisi, muore, lasciando tutore dei propri figli il commediografo e la madre, mentre in sala si sentono soffi di narici e, con la luce, si scorgono occhi pieni di umida commozione in molti dei presenti. Commozione facile facile, estirpata con mezzi ignobili, come si suole.

Perchè poco di quello che racconta il film corrisponde alla realtà. Per esempio Sylvia Lleewelyn non era vedova; lo diventerà soltanto nel 1907, tre anni dopo la première londinese della commedia. Suo marito detestava Barrie e ne era contraccambiato. Quanto a Barrie, sposò Sylvie (che morirà nel 1910) e divenne patrigno di quei ragazzi che, però, con gli anni, finirono col non sopportare più i suoi giochi. Di fatto era Barrie che non voleva crescere, mentre crescevano riconoscimenti, onorificenze e prebende.

Quanto ai figliastri, per una sorta di nemesi peterpanica («Morire sarà un’avventura grandissima», dice il protagonista) finirono tutti malamente: il primo morì in guerra nel 1915; il secondo, non accettando la sua omosessualità, si affogò in un lago ghiacciato con l’amico, nel 1921; un terzo infine, dopo la morte «naturale» del quarto, si gettò sotto il treno della metropolitana di Londra.

E Barrie che tipo era? Non così affascinante come il fascinoso Johnny Depp. Bassissimo di statura, aveva la voce fessa e sottile; a trentanni, nelle foto, con due folti baffi, sembra un bambino in maschera. Sempre innamorato, era tuttavia incapace di un rapporto adulto e con la moglie il matrimonio non fu mai consumato. Barrie non era un pedofilo «sublimato», come qualcuno ha potuto pensare, ma soffriva di quello che i medici chiamano pubertà ritardata; fisiologicamente aveva l’età di un dodicenne, il che, naturalmente, non gli impediva di essere un genio e un uomo generoso e affettuoso.

Non solo tutti questi dati sono alterati o falsificati a favore di un mercinomio lattemieloso di disponibilità umana e genialità creativa, di fantasia e ricostruzione storica, ma ogni possibile interpretazione delle molteplici e ambigue correlate al personaggio e al suo autore viene come azzerato dai ristagnanti buoni sentimenti in cui il regista chiude la vicenda. Poco e nulla traspare, perché il pubblico non si preoccupi; e tutto è falso, dalla leziosa gentilezza di Barrie alla dolcezza moribonda di Sylvia (Kate Winslet) all’antipatia manierata della Signora Du Maurier.

Dalle macerie si salvano soltanto la scena finale della prima teatrale e la recitazione superba di Dustin Hoffman, nel ruolo del generoso impresario teatrale Charles Frohman. Da non dimenticare inoltre il commovente straordinario interprete del piccolo Peter, tale Freddie Highmore.
(piero gelli)

Titanic

Scampata al naufragio del Titanic, oltre settant’anni dopo Rose può essere d’aiuto per recuperare una preziosa collana rimasta sepolta negli abissi. Intervistata, la vecchia signora racconta l’incredibile viaggio: dalla partenza all’incontro – lei, donna dell’alta società – con l’affascinante proletario Jack Dawson… Un caso unico, un iceberg nel cinema del decennio, per il coraggio e la capacità di riportare Hollywood ai tempi del grande kolossal. Una follia produttiva, ma anche un progetto consapevole e d’autore in cui Cameron ci dà dentro fin dall’inizio, con una discesa negli abissi che è già un momento altamente visionario. Poi il fumettone si dipana maestoso e sornione, con un’aria finto-ingenua; ma quando il Titanic becca lo scoglio la vicenda riparte con un ritmo insostenibile, fino a uno scioglimento nel quale sogna addirittura di redimere il tempo. Un film anche sull’America-Terra Promessa («nuovi cieli e nuove terre…»), un trionfo della computer-graphic ma non un’operazione troppo arida o decerebrata. Sfido chiunque a guardare l’orologio nelle ultime due ore, e – inutile negarlo – nel finale strappalacrime ci si commuove davvero… Pluripremiato dall’Academy con ben 11 Oscar, tra cui Miglior Film, Regia, Fotografia, Musiche, Montaggio e Scenografia (emiliano morreale)

Enigma

1943: i sommergibili nazisti stanno per attaccare un convoglio nell’Atlantico, e il decifratore di codici Tom Jericho, reduce da un esaurimento nervoso, torna nel centro supersegreto di Bletchey Park dove scopre che la collega Claire, di cui era innamorato, è misteriosamente scomparsa… Nel romanzo di Robert Harris il complesso intreccio di elementi funziona: ma l’adattamento di Tom Stoppard e la regia di Apted sono da sceneggiato televisivo. L’ambizione è di girare come si faceva una volta: il risultato, però, è povero di emozione. Prodotto da Mick Jagger che ha anche un cammeo.

Ragione e sentimento

Ragione e sentimento

mame cinema RAGIONE E SENTIMENTO - STASERA IN TV ferrars ed elinor
Edward Ferrars ed Elinor Dashwood

Film del 1995 diretto da Ang Lee, Ragione e sentimento è tratto dall’omonimo romanzo di Jane Austen. Protagoniste due sorelle, Elinor (Emma Thompson) e Marianne (Kate Winslet) Dashwood, le quali vivono con la madre e la sorella minore Margaret (Emilie François). Dopo la morte del capofamiglia, le donne si ritrovano in gravi difficoltà economiche, in quanto tutta l’eredità passa all’unico figlio maschio del defunto, John, il quale è nato dal primo matrimonio di Mr. Dashwood.

Le donne Dashwood, dunque, devono rimboccarsi le maniche e trovare ognuna la propria strada. L’entrata in scena di un affascinante giovane, John Willoughby (Greg Wise), suscita in Marianne forti sentimenti, mentre anche Elinor si sente attratta dal fratello della cognata, Edward Ferrars (Hugh Grant). Ma gli eventi prendono una piega inaspettata: le due sorelle dovranno fare i conti con le convenzioni imposte dalla società in cui vivono, a discapito dei loro sentimenti. Ci sarà comunque per loro un lieto fine?

Nel cast anche il grande attore Alan Rickman, nei panni del colonnello Brandon.

Curiosità

mame cinema RAGIONE E SENTIMENTO - STASERA IN TV marianne e brandon
Marianne Dashwood e il colonnello Brandon
  • Ragione e sentimento ha vinto due Golden Globe come miglior film drammatico e per la miglior sceneggiatura non originale a Emma Thompson nel 1995. Inoltre, si è aggiudicato l’Orso d’Oro al Festival di Berlino del 1996.
  • Sempre per la Migliore sceneggiatura non originale, la Thompson ha vinto anche il premio Oscar.
  • La pellicola ha ottenuto persino tre premi BAFTA nelle categorie Miglior film, Migliore attrice protagonista (Emma Thompson) e Migliore attrice non protagonista (Kate Winslet).
  • Il film, secondo i calcoli, ha incassato più di quaranta milioni di dollari.
  • Le scene sono state girate interamente in Inghilterra.

The Reader – A voce alta

Nella Germania dopo la fine della seconda guerra mondiale, l’adolescente Michael Berg si sente male e viene aiutato ad arrivare a casa da Hanna, un’estranea che ha il doppio dei suoi anni. Michael si riprende dalla scarlattina e cerca Hanna per ringraziarla. Così, i due rapidamente rimangono coinvolti in una relazione segreta eappassionata. Michael scopre che Hanna ama sentir leggere e il loro rapporto fisico si trasforma in qualcosa di più profondo. Hanna è entusiasta che Michael le legga L’odissea, Le avventure di Huckleberry Finn e La signora con il cagnolino. Nonostante il loro rapporto, un giorno Hanna scompare misteriosamente, lasciando Michael confuso e addolorato. Otto anni più tardi, mentre Michael è uno studente di legge che osserva i processi per i crimini di guerra nazisti, è sconvolto nel veder tornare Hanna nella sua vita, questa volta come imputata in tribunale. Mentre il passato della donna viene rivelato, Michael scopre un segreto importante che avrà un forte impatto sulle loro vite.

Revolutionary Road

Frank ed April si sono sempre considerati speciali, diversi, desiderosi di vivere una vita ispirata ad alti ideali. Quando si trasferisce nella sua nuova casa di Revolutionary Road, la coppia proclama con orgoglio la propria indipendenza dalla monotona vita della provincia che la circonda, determinata a non restare mai intrappolata nelle convenzioni sociali del suo tempo. Nonostante la simpatia, la bellezza e il fascino anticonformista che li contraddistingue, i Wheelers si ritrovano ben presto a ricalcare proprio i modelli che disprezzavano: Frank diventa un impiegato prigioniero di una routine quotidiana che gli ha tolto qualsiasi velleità; April dal canto suo, assume il ruolo di casalinga infelice, in cerca di realizzazioni e assetata di passione. Una famiglia americana come tante altre, che ha perso i suoi sogni.

L’amore non va in vacanza

L’amore non va in vacanza

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Iris e Miles

Diretto da Nancy Meyers, L’amore non va in vacanza inizia con le disavventure sentimentali di due donne, Iris (Kate Winslet) e Amanda (Cameron Diaz). Dopo aver chattato su Internet, le ragazze decidono di prendersi una pausa e scambiarsi le case. Così, Amanda va nel Surrey e conosce Graham (Jude Law), il fratello maggiore di Iris. Anche quest’ultima fa un nuovo incontro: si tratta di Miles (Jack Black), un giovane compositore.

Di conseguenza, le due giovani ora hanno trovato ognuna un nuovo amore. Ma che ne sarà di queste nuove relazioni? Avranno un futuro concreto o rimarranno solo delle parentesi? Si può davvero affermare, quindi, che l’amore non va in vacanza?

Curiosità

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Amanda e Graham
  • Gli interni della casa di Amanda sono costati alla produzione circa un milione di dollari.
  • Ci sono tre camei di personaggi famosi: Lindsay Lohan, James Franco e Dustin Hoffman. I primi due, infatti, appaiono nel trailer del film a cui il personaggio di Amanda sta lavorando, mentre Hoffman compare quando Graham parla de Il laureato (1967).
  • La pellicola ha ottenuto una nomination agli MTV Awards del 2007 per il Miglior bacio tra Cameron Diaz e Jude Law.
  • Inoltre, Cameron Diaz è stata nominata anche per i Teen Choice Award per il Miglior sibillo.
  • La pellicola contiene un omaggio al grande Ennio Morricone. Infatti, quando Iris e Miles si incontrano, dall’autoradio del ragazzo si possono sentire le note del tema musicale di Nuovo Cinema Paradiso. Inoltre, è proprio Miles a citare il nome di Morricone.
  • Nell’appartamento di Graham c’è il celebre manifesto italiano della “2° Settimana del Libro” del 1953 dell’illustratore Lalia.
  • La regista Nancy Meyers ha dichiarato di aver scritto il film appositamente per i quattro attori protagonisti.
  • C’è una stranezza riguardo alla colonna sonora: essa, infatti, non contiene alcuna delle 22 canzoni utilizzate nel film.