Mystic River

Tre amici d’infanzia si ritrovano dopo l’assassinio della figlia di uno di loro. Uno dei tre è proprio il detective incaricato di scopire chi ha ucciso la ragazza. Dovrà confrontarsi con la difficile soluzione del caso e con il desiderio di giustizia di un padre disperato.
«La storia riguarda il modo in cui le vite di tutti i protagonisti vengano sconvolte dal crimine. Possiamo vedere l’impatto che ha avuto un atto violento molti anni dopo che è stato commesso. È un cerchio tragico, tutti e tre gli uomini hanno problemi irrisolti, tutti sono traumatizzati dal passato» Così Clint Eastwood presenta una brutta storia di violenza e omicidi, traumi infantili e stupri, tratta dal romanzo di Dennis Lehane. Tre ragazzini giocano insieme a palla nelle strade, poi succede qualcosa che sconvolge la vita ti tutti e i tre smettono di frequentarsi. Pensano che, con la distanza, i cattivi ricordi potrebbero rimanere lontani. Il più traumatizzato di loro lascia addirittura il quartiere. Non serve a nulla. Il passato torna violento come una frustata. Tornano a riunirsi da adulti, abbruttiti da quel ricordo distruttivo, legati da un filo comune: un orrendo assassinio. Jimmy (Sean Penn) è il padre della vittima, una ragazza diciannovenne trovata uccisa brutalmente nel parco. È vedovo, Jimmy, e ha riversato tutto l’amore che ha in corpo nella figlia. Poco fiducioso verso la giustizia, vuole punire personalmente chi ha commesso l’efferato delitto e pur di portare a termine il suo proposito è pronto a mettere in discussione tutto, la vita che si è ricostruito nella comunità dopo le precedenti grane avute con la legge, la libertà, l’incolumità fisica. Dave (Tim Robbins) è il principale sospettato dell’omicidio. È un uomo disturbato, che non ha superato un trauma infantile, un’esperienza terribile che ha cambiato l’intero corso della sua vita e quella dei suoi vecchi amici. Poi c’è il detective incaricato delle indagini (Kevin Bacon), che deve arrivare all’assassino assolutamente prima della furia vendicatrice di Jimmy. Il problema di Sean è la moglie, che l’ha lasciato, di cui è ancora innamorato. Il tutto avviene a Boston, alla vigilia del Columbus Day, in un quartiere operaio dove tutti si conoscono, dove la domenica si va devotamente alla messa, dove circolano brutti ceffi dal cognome inquietante tipo i fratelli Savage.
Eastwood, con quest’opera in concorso al Festival di Cannes, si sofferma più sulle vicende umane e sulle emozioni che attraversano i personaggi, che non sull’intreccio del crimine. Certo, lo spettatore è comunque intrigato a risolvere il «giallo»: vuole scoprire se Dave è realmente colpevole, se Jimmy troverà giusta vendetta o verrà fermato in tempo, e se Sean riuscirà a risolvere il suo rapporto con la moglie. Il quadro che ne esce è quello di una comunità bigotta, dove pare che tutti sappiano tutto, ma dove nessuno lo dà a vedere, dove i panni sporchi si lavano in famiglia. Per il Columbus Day tutto deve essere sistemato, affinché il quartiere possa festeggiare per le strade senza ulteriori traumi, perché ci si possa scambiare sorrisi ipocriti, falsi saluti di cortesia, nonostante siano accadute le cose più turpi. È l’America del benessere, con le sue contraddizioni e suoi scheletri nell’armadio, con una violenza che esce allo scoperto perché poco repressa o perché il sistema stesso è portatore di violenza. Nel film si preferisce assoggettarsi all’esempio violento piuttosto che aprirsi agli altri, ammettere le proprie debolezze, mettersi in discussione. Un messaggio abbastanza discutibile, che sembra assolvere il comportamento negativo dei protagonisti, come se la risposta violenta alla violenza rimanesse l’unica via di salvezza. Il merito principale della riuscita del film va attribuito alla scelta degli attori: uno Sean Penn in stato di grazia a fianco di due colleghi altrettanto bravi, Tim Robbins e Kevin Bacon. La colonna sonora composta dallo stesso Clint Eastwood è stata registrata dalla Boston Symphony Orchestra dal Coro del Festival di Tanglewood, diretti dallo stesso regista. Oscar 2004 a Sean Penn come miglior attore protagonista e a Tim Robbins come miglior attore non protagonista. (marcello moriondo)

Punto di non ritorno

Nel 2047, viene inviata una missione di salvataggio su Nettuno, quando la navicella in esplorazione “Event Horizon” riappare misteriosamente così come era inspiegabilmente scomparsa sette anni prima. L’equipaggio è scomparso, ma c’è un’inquietante presenza a bordo, probabilmente collegata al buco nero che sta per deformare lo spazio. Opera ben recitata, inizia in maniera promettente, ma diventa sempre più improbabile, non dando alcuna spiegazione per gli strani eventi che si susseguono. Ci sono alcune intense scene horror. 

I Fantastici 4 e Silver Surfer

Mr. Fantastic e la Donna Invisibile stanno per convolare a giuste nozze. Tutto sembra pronto per un pacchiano matrimonio in stile americano, con tanto di cappella allestita sulla vetta del Baxter Building, il quartier generale dei Fantastici 4 che domina Manhattan. I media sembrano impazziti per l’evento ma l’arrivo di un misterioso personaggio che solca supersonico i cieli a bordo di una tavola da surf argentea finirà per scompaginare i piani della super-coppia. Lo sgradito ospite è ovviamente Silver Surfer, araldo che annuncia l’arrivo del distruttore di mondi Galactus. A turbare i sonni del quartetto ci si mette anche Victor Von Doom, arcinemico di sempre ingolosito dal potere cosmico di Silver Surfer.

Matrix Revolutions

Nessuno si aspettava che la terza puntata di Lo squalo fosse magnifica, ma il fallimento dei fratelli Wachowski nel dare al loro marchio di fabbrica un senso qualsiasi è stata uno delle più grandi delusioni del 2003. Come le truppe di Santa Anna ad Alamo o blob in un quartiere qualsiasi, le cosiddette Macchine marciano verso l’avamposto di Zion, con Neo e gli esseri umani rimasti per fermarle. Pinkett Smith alla guida di un aereo truccato risulta più avvincente della storia d’amore fra Reeves e la Moss. Un mitico viaggio non avrebbe dovuto essere il sequel migliore nel curriculum di Reeves. Super 35.

Predators

Un eterogeneo gruppo di umani, per lo più ex militari, killer mercenari, carcerati, viene rapito e portato in un pianeta alieno a fare da prede per delle creature mostruose… Riusciranno a sopravvivere?

Scritto da Alex Litvak e Michael Finch e prodotto da Robert Rodriguez, il quinto film della serie iniziata con Predator si pone in realtà sia come “reboot” (ovvero ripartenza aggiornata degli eventi) sia come possibile sequel del protoripo, ignorando gli eventi di Predator 2. E sembra riecheggiare Aliens – Scontro finale di James Cameron, anche per lo scontato tema del melting pot. Ma mancano efficacia visiva e sorprese e dopo mezz’ora arrancano acnhe gli spettatori meglio disposti. Modestissimi gli incassi.

Five Fingers

Un giovane olandese viene rapito assieme alla sua guardia del corpo mentre si trova in Marocco per avviare un programma umanitario in favore di bambini malnutriti. Lo sbigottimento e l’incredulità per l’accaduto precipitano fin da subito nel terrore non appena l’amico viene ucciso davanti ai suoi occhi. Il suo carceriere avvia con lui un interrogatorio che ha come premessa una partita a scacchi, in cui ogni mossa sbagliata comporterà al prigioniero, ingenuo idealista con la passione per il pianoforte, la perdita di un dito della mano. Una serie di colpi di scena farà emergere che forse il sequestro non è uno scambio di persona…

King of New York

Nella sua infausta avventura americana, Reteitalia finì col produrre anche un piccolo gioiello, una prova generale del Ferrara maggiore. Scritto come al solito da Nicholas St. John, realizzato insieme ai fidati collaboratori Bazelli e Delia, una piccola «summa» dello stile e dei temi del regista. Uscito dal carcere, un gelido e perfetto Christopher Walken torna nel giro del grande spaccio per finanziare un ospedale. Ferrara sembra affilare le armi in vista dei suoi capolavori, e l’atmosfera della metropoli – con Walken che guarda da dietro un finestrino – risente ancora di certo Scorsese. Lo spunto è persino troppo scoperto, senza la nera perdizione (e dunque la maggior potenza di riscatto) che sarà del
Cattivo tenente
; ma il contesto è già atono, metallico, postumo. Ed è soprattutto il finale a dare la misura della visione del cineasta newyorkese.
(emiliano morreale)

Matrix: Reloaded

Grande, roboante sequel, più diretto nel racconto dell’originale, con gli eroi che lottano contro il tempo per evitare che un predatorio esercito conquisti avamposto dell’umanità, Zion. Non dà la stessa sensazione d’innovazione stilistica del primo, ma la quantità d’azione e di effetti speciali compensano la cosa. Ironicamente, il pezzo forte di questa densa saga futuristica è un inseguimento d’auto sull’autostrada californiana! Seguito da: Matrix Revolutions. Super 35.

Apocalypse Now Redux

Deve essere costata non pochi ripensamenti alla Miramax (la major produttrice di Apocalypse Now Redux) la decisione di far uscire il film nelle sale, nonostante i fatti dell’11 settembre. In America, di questi tempi, i cinema che proiettano film di guerra, o che contengono scene di violenza, vanno a dir poco deserti. Del resto l’idea di rimontare il film del 1979 era rimasta per vent’anni in un cassetto e qualche mese in più non avrebbe fatto differenza. Certamente è vero che questo è un film contro la guerra, ma non è stata questa la considerazione decisiva. La forza espressiva di Apocalypse è tale da superare qualsiasi ostacolo, sia parte del pubblico che della stampa, e la contestata vittoria della Palma d’oro a Cannes nel 1979 non è che una parziale conferma.

Va detto subito che, almeno per i cinefili, la versione Redux (chissà perché Redux visto che è più lunga di quasi un’ora) non può sostituire quella vecchia. La può semmai affiancare, integrare grazie all’aggiunta delle scene scartate nel montaggio originale. Le ragioni sono semplici: anche se Coppola sostiene che il montaggio del 1979 fu il frutto delle pressioni dei creditori e della stampa per i quali era ormai diventato lo zimbello (oltre due anni di post-produzione), era pur sempre il montaggio a cui molti si erano affezionati. Un’opera d’arte e quindi un film vive anche oltre le intenzioni dell’artista, per ragioni che sono legate al caso e alla sensibilità dei fruitori. Per quanto riguarda nello specifico la versione italiana poi, è comprensibile, anche se fastidioso, che siano stati cambiati tutti i doppiatori dei personaggi che sono presenti anche nelle scene aggiunte (quindi tutti i più importanti), ma perché cambiare anche la traduzione dei dialoghi? La risposta a questa domanda è contenuta nelle modalità con le quali questa operazione è stata fatta: sono molto più chiari, quasi didascalici.

Questo, associato a un montaggio assai più fluido con meno salti logici, conferisce al prodotto finale una maggiore intelligibilità, in poche parole il film è meno criptico, ma forse anche meno poetico. Queste le ombre, le luci invece sono costituite da tutto il resto. La cura con cui il film è stato rimontato: non inserendo semplicemente le nuove scene sul vecchio montaggio, ma rimontando ex-novo i cosiddetti «giornalieri», cioè il girato quotidiano della pellicola originale. La fotografia di Vittorio Storaro è più splendente che mai e anche il suono rimasterizzato fa il suo dovere, (la scena dell’attacco degli elicotteri con Wagner a tutto volume dà i brividi). E poi ci sono le scene nuove: le sequenze più importanti aggiunte sono tre. Una scena in cui la pattuglia si imbatte nelle conigliette di Playboy che si concedono in cambio di una tanica di cherosene. La famosa scena della piantagione francese, nella quale i protagonisti incontrano un gruppo di coloni francesi, rimasti lì dopo la sconfitta di Dien Bien Phu che permette a Coppola di esprimere la sua posizione politica sulla presenza americana in Vietnam e soprattutto di inserire una scena d’amore tra Martin Sheen e Aurore Clement. E infine un paio di minuti in più di monologo di Marlon Brando, originariamente tagliati perché molto duri con i vertici politici e militari americani. Il cinefilo di razza si divertirà poi a scoprire le decine di brevi sequenze aggiunte in questa nuova versione, che tiene incollati alla poltrona per ben tre ore e ventidue minuti. (ezio genghini)

The Soul of a Man

La vita di tre grandi bluesman, Skip James, Blind Willie Johnson e J.B. Lenoir, esplorata dal cineasta tedesco Wim Wenders. Skip James, nato nel 1902 e morto nel 1969, pastore battista, abbandonò la carriera musicale dopo i primi anni di successi, fino a quando nel 1964 imbracciò nuovamente la chitarra. Un genio del sound di Betonia, città del Mississippi, che reinventò e sviluppò in maniera sorprendente. Blind Willie Johnson, cantante gospel texano, grande chitarrista slide, usava il blues per dare i suoi messaggi religiosi. Era cieco e suonava agli angoli delle strade, fino a quando la Columbia non gli fece incidere alcuni master. J.B. Lenoir, nato a Ponticello nel Mississippi nel 1929, morì nell’aprile del 1967 in un incidente d’auto, quando la sua carriera stava finalmente decollando. Cantava di guerre, del Vietnam, di problemi sociali, fondendo blues, jazz e boogie. Wim Wenders li racconta in maniera poetica e romanzata, ma soprattutto attraverso le loro canzoni, con l’audio originale, ma con immagini riprodotte, a parte un filmato quasi amatoriale che ha come protagonista J.B. Lenoir. Ma non solo. Wenders fa suonare i successi di questi piccoli grandi uomini ai mostri della musica attuale. E quindi un appassionato Lou Reed pizzica le corde della sua chitarra, come Nick Cave o Eagle Eye Cherry e John Mayall. Gioca sul montaggio, sugli sfumati, sul colore e su un bianco e nero virato seppia. È finto, ma non importa.
The Soul of a Man
fa parte del grande progetto voluto da Martin Scorsese per raccontare e celebrare il mondo del blues. Charles Burnett, Clint Eastwood, Mike Figgis, Marc Levin, Richard Pearce e lo stesso Scorsese ci guideranno
nell’anima,
perché «il blues è la radice, il resto sono i frutti».
(andrea amato)

Bobby

Il 4 giugno 1968 all’Ambassador Hotel di Los Angeles c’è una trepidante attesa per l’arrivo del senatore Robert Kennedy, il probabile futuro presidente degli Stati Uniti. La vita delle persone dell’albergo è condizionata dall’evento. I preparativi degli addetti, i clienti, gli attivisti del Partito Democratico, gli invitati, i giornalisti: tutto ruota attorno al discorso che si terrà quella notte, pronunciato il quale Kennedy verrà ucciso.