Thirteen

Ingenua tredicenne con interessi da adolescente, Tracy diventa amica di Evie, la ragazza più attraente e popolare della scuola. Lentamente ma inesorabilmente, sesso, droga e autolesionismo entreranno nella sua vita, sconvolgendo il suo fino a quel momento sereno rapporto con la madre, gli insegnanti e i vecchi amici.

Vincitore del Director’s Award all’ultimo Sundance Festival,
Thirteen
è l’opera prima della giovane regista Catherine Hardwicke, coadiuvata nella stesura della sceneggiatura dalla quindicenne Nikki Reed, l’attrice che nel film interpreta il ruolo di Evie. Ancora prima della sua uscita il film ha scatenato ampi dibattiti su diversi giornali italiani. «Ma i tredicenni sono davvero così?» era la domanda più ricorrente. Cocaina, furti, violenza priva di qualsiasi scopo non fanno parte della vita della maggior parte dei giovanissimi. Eppure, guardando questo film, si ha la sensazione di trovarsi di fronte a un ritratto sincero e non a un prodotto confezionato con il solo scopo di scioccare il pubblico. Forse perché la solitudine di cui le protagoniste sono vittime è tipica della società contemporanea.
Thirteen
non sciocca. Piuttosto mette ansia al pensiero che la mancanza di punti di riferimento possa essere colmata esclusivamente comportandosi come adulti viziosi e che nemmeno una madre un po’ fricchettona ma di buon senso, ben interpretata da Holly Hunter, possa influenzare la propria figlia più della sua nuova amica del cuore.

Driven

Jimmy Bly è un giovane e promettente pilota di macchine da corsa che rischia di bruciare la propria carriera a causa dell’inesperienza e dell’emotività. Il suo più temibile avversario è Beau Brandenburg, quasi imbattibile sul circuito, ma in crisi sentimentale con la bella Sophia, della quale Jimmy è segretamente innamorato. Per rimettere Jimmy sulla retta via, il boss della scuderia Carl Henry decide di rivolgersi a Joe Tanto, un esperto pilota caduto in disgrazia dopo un brutto incidente. Per Joe è l’occasione giusta per rientrare nel giro, oltre che l’ora del riscatto.
Driven
dovrebbe segnare l’ora del riscatto anche per Sylvester Stallone, reduce da un breve esilio dalle scene (terminato con il precedente
La vendetta di Carter
) e da alcune prove poco fortunate al botteghino (compreso l’ottimo
Cop Land
, in cui aveva dimostrato di essere ben più di una semplice icona hollywoodiana). E il film – strano a dirsi visto la sua natura di blockbuster – è uno dei più personali tra quelli interpretati da Sly, autore anche della sceneggiatura.
Driven
è un film con più anime e più temi: quello della risurrezione e del riscatto, già accennato, uno dei favoriti dell’attore dai tempi di
Rocky
; del tradimento (familiare, sentimentale e altro); della lealtà e dell’amicizia, quasi di stampo hawksiano, che lega tra loro i vari piloti, benché rivali in pista. Ogni singola virgola dello script porta quindi i segni del passato di Stallone, artistico e privato; il tutto, ovviamente, senza dimenticare la logica e le esigenze dell’entertainment. Per questo Sly ha deciso di rivolgersi a Renny Harlin, che lo aveva già diretto nel divertente
Cliffhanger
. Il risultato sono due ore di grande spettacolo a ritmo forsennato durante le quali il regista finlandese passa in rassegna ogni possibile soluzione visiva esistente (split-screen, dissolvenze, zoomate, carrellate veloci) in un stordente tourbillon di suoni, musica e immagini: quasi un Tsui Hark (il regista di
The Blade, Double Team
e
Time and Tide
) in scala ridotta (si badi bene, «ridotta» solo perché il virtuosismo visivo dell’hongkonghese è praticamente imbattibile). Così anche l’ovvio ricorso alla grafica digitale per «migliorare» le prestazioni dei protagonisti non disturba affatto e finisce per conferire al film una dimensione astratta, quasi Pop, tra il manga e i giochi della Playstation.
(andrea tagliacozzo)

Le regole dell’attrazione

Il Camden College è una piccola università del New England frequentata da ragazzi ricchi e di buona famiglia. Sesso (molto), amore (poco), droga, noia, festini e molto poco studio caratterizzano la vita di rampolli che, in attesa di affrontare la vita che i loro genitori gli hanno preparato, passano il tempo buttandosi via ma soprattutto annoiandosi a morte.

«Dalle menti perverse che hanno creato
Pulp Fiction
e
American Psycho»,
strilla la locandina italiana del terzo film di Roger Avary, arrivato in Italia con due anni di ritardo rispetto alla sua uscita negli Stati Uniti. In effetti il regista è uno degli sceneggiatori del film di Quentin Tarantino e il soggetto è tratto dall’omonimo romanzo di Bret Easton Ellis, uno dei meno riusciti fra quelli dello scrittore americano. Già regista dell’ottimo
Killing Zoe
e del trascurabile
Mr. Stitch – Pensieri residuali,
Avary si cimenta senza troppa fortuna con i belli e annoiati dell’autore di
American Psycho,
altro romanzo portato con scarsi esiti sul grande schermo. Il suo film tenta la carta del ritratto generazionale ma è troppo frammentato per essere davvero incisivo. Intorno a ognuno dei personaggi, compreso Sean Bateman, il fratello del protagonista di
American Psycho,
viene costruita una microstoria e l’insieme delle microstorie dovrebbe costituire la sostanza del film. Complice un romanzo di non facile trasposizione cinematografica, i propositi del regista vanno però in fumo. Allo spettatore restano dei bozzetti un po’ noiosi e la sensazione di aver assistito a un paio di puntate di telefilm. Forse andrà meglio con
Glamorama,
l’ultimo romanzo di Ellis che Avery ha già annunciato di voler portare al cinema.
(maurizio zoja)

Il sapore della vittoria

Nel 1971 ad Alexandria, Virginia, in vista del campionato un college sperimenta la convivenza di studenti bianchi e neri per formare una squadra di football multirazziale. Mentre l’odio e i confini etnici restano ancora assai marcati tra la gente del luogo, i nerboruti e scontrosi ragazzi riescono, sotto la severa guida dell’allenatore di colore Herman Boone e del vice bianco Bill Yoast, a superare i pregiudizi e a fare della formazione dei Titans una coesa cellula sociale, imbattibile sul piano agonistico e culturale.
Il produttore dei più sfacciati blockbuster degli ultimi anni, Jerry Bruckheimer, ha deciso di investire su formule di intrattenimento «impegnato». E allora, dopo Armageddon e prima di Pearl Harbour , arriva sui nostri schermi Il sapore della vittoria, altro prodotto trionfalistico e senza cuore che tuttavia ostenta un tema forte: il razzismo. La pretestuosità del film è evidente: la forma di razzismo di cui si parla è ormai superata e quindi innocua, e soprattutto le tematiche razziali finiscono per veicolare l’ennesimo racconto edificante sul successo americano che supera qualsiasi barriera. Dinamiche narrative e linguaggio sono più adatti a un plotone di marines arrabbiati, fieri e assetati di vittoria. Tutto è estremamente calcolato, senza sorprese, senza sincerità, senza originalità. E le riprese delle partite sfigurano al confronto con quelle ben più spettacolari di Ogni maledetta domenica. Il massimo del ridicolo si tocca quando il capitano della squadra rimane paralizzato dalla vita in giù: l’atleta non si abbatte nemmeno un po’, si prepara per il campionato dei disabili e rincuora tranquillamente i compagni. A salvarsi sono solo le scelte di casting, con Denzel Washington e Will Patton che si scambiano le parti abituali: Denzel che fa il duro e Will comprensivo e rabbonito funzionano comunque al meglio. (anton giulio mancino)