Da che pianeta vieni?

È un oggetto curioso questo film di Mike Nichols, sicuramente penalizzato dalla traduzione italiana – che ne attenua alcune peculiarità e i riferimenti alla cultura americana – e da una regia non propriamente scattante. Le premesse, comunque, sono esilaranti: un alieno, proveniente da un lontano pianeta popolato da soli maschi (per giunta privi di organi di riproduzione), è incaricato di scendere sulla Terra per mettere incinta una donna e far nascere un bambino, primo passo dell’imminente colonizzazione dell’intero emisfero. Debitamente addestrato a sedurre le terrestri e provvisto di un pene posticcio (e assai rumoroso!), il nostro eroe scoprirà che il passaggio dalla teoria alla pratica è tutt’altro che semplice, specialmente quando si ha a che fare con esseri del tutto imprevedibili come le donne.

Il soggetto è ovviamente un pretesto per ironizzare sulla battaglia dei sessi e sul rapporto di coppia, con esiti talvolta molto divertenti. Ma i dialoghi e le situazioni, quasi sempre buffi e intelligenti, non sempre sono ben serviti dalla regia di Nichols, priva del ritmo necessario e della verve che riuscirebbe a farle funzionare a dovere. Il regista – che di certo non è un principiante, né un autore che difetta di talento – sembra invece trovarsi più a suo agio con gli elementi sentimentali che emergono nella seconda parte del racconto, la migliore del film. Ed è forse per questo che a mettersi in luce è soprattutto la splendida Annette Bening – nei panni di un personaggio che sembra fare il paio con quello interpretato dall’attrice in
Mars Attacks!
di Tim Burton – piuttosto che il protagonista e co-sceneggiatore Garry Shandling, un divo televisivo negli Usa, da noi un perfetto sconosciuto. Tra gli altri interpreti, divertente John Goodman, dignitoso Greg Kinnear, sprecata Linda Fiorentino.
(andrea tagliacozzo)

La diva Julia

Lo schema è quello classico delle
moralities,
lo scontro generazionale e i meccanismi della scalata al successo nell’ambiente teatrale. Nel cinema esiste un capolavoro, la cui referenza è d’obbligo: si tratta di
Eva contro Eva
del 1950, diretto da Joseph L. Mankiewicz: una celebre matura attrice, interpretata da un’indimenticabile Bette Davis, si vede soffiare il ruolo dalla sua giovane e ipocrita segretaria (Ann Baxter). Il film ebbe un tale successo che negli anni Settanta ne fu ricavato un musical,
Applause,
interpretato da Lauren Bacall.

Tutto questo lungo preambolo per affermare che
La diva Julia,
dell’ottimo Istvàn Szabò, segue tutt’altra strada, perché il modello qui è letterario e si rifà fedelmente al romanzo di Somerset Maugham, pubblicato in Inghilterra nel 1935 con il titolo di
Theatre
e, in Italia, nella collezione Medusa della Mondadori, uscì nel 1938 come
Ritratto d’attrice,
ancor oggi rintracciabile in qualche bancarella. Ma non conviene, perché l’Adelphi l’ha ristampato in un’ottima traduzione, oggi anche in edizione economica, col titolo che il film ha ripreso. Maugham conosceva alla perfezione l’ambiente teatrale londinese del suo tempo e, probabilmente quel ritratto di Julia che descrive con tanta finezza psicologica e humour si ispira a un modello reale, così come sono reali i contorni, i personaggi e i luoghi intorno a lei. La moralità, nello scanzonato, acuto ma navigato viveur Maugham, si risolve in un’amabile, per lo meno in questo romanzo, satira del puritanesimo inglese, un retaggio vittoriano-edoardiano, sopportato come una maschera di comodo: tutto è ammesso, purché non faccia scandalo.

Contrariamente al film di Mankiewicz, più duro nel giudicare la società americana, qui trionfano la furbizia e la saggezza/sagacia della maturità: la bella e stagionata Julia, che al culmine del successo teatrale s’innamora perdutamente di un giovane troppo intraprendente, che la tradisce con un’attricetta, riuscirà con un vero e proprio
coup de théâtre
col trionfare dell’infido amante e della squinzia che lui le ha messo tra i piedi. E il divertimento è assicurato, per lo spettatore, grazie anche alla sceneggiatura, calibratissima, di Ronald Harwood, vera forza del film, alle deliziose musiche d’epoca (molto Cole Porter), all’interpretazione magnifica di Annette Bening (cui presta voce italiana Mariangela Melato) e di Jeremy Irons, alla perfetta archeologica ricostruzione ambientale del regista, il quale, senza metterci troppo di suo, segue abilmente la strada ben percorsa da altri: in altre parole, più che di Szabò sembra un film di James Ivory.
(piero gelli)
                                              

Rischiose abitudini

Roy Dillon è un giovane che vive di piccole truffe. Sua madre lavora per conto di uno scommettitore, al quale, poco alla volta, sottrae ingenti somme di denaro. Anche la sua amante è invischiata in attività disoneste. Tra le due donne, che si contendono l’affetto del giovane, nasce un’accesa rivalità. Il film, prodotto da Martin Scorsese, conferma le ottime doti dell’inglese Stephen Frears, elegantissimo nella messa in scena ed efficace nel dirigere l’ottimo terzetto d’interpreti. La Huston (bravissima e diabolicamente affascinante) e la Benning (attuale moglie di Warren Beatty) ebbero entrambe una poco fortunata nomination all’Oscar. Sceneggiatura di Donald Westlake, da un romanzo di Jim Thompson.
(andrea tagliacozzo)

Attacco al potere

Alcuni terroristi fanno esplodere bombe per tutta New York, mettendo in ginocchio la città e spingendo così all’imposizione della legge marziale, che prevede campi di concentramento per tutti gli arabi, stranieri e cittadini. Ben presto, il generale in carica (un Willis di cartone) inizia a comportarsi come un tiranno, scontrandosi con un ispettore dell’Fbi (Washington) e con un’agente della Cia (Bening: entrambi eccellenti). Ben fatto e ricco di suspense. Super 35.

Terra di confine – Open Range

Far West, 1882. Nelle sconfinate praterie verdi con le montagne bellissime a far da cornice, tre uomini e un ragazzo vivono la loro vita tra vacche, cavalli e un cagnolino. Vivono nella natura, dove quando piove si annega nel fango e dove quando il cielo è limpido è tutto tempestato di stelle, e lontano il più possibile dalla città. Che poi è una strada sterrata e quattro case con un’altra in costruzione… I quattro sono mandriani. Vanno per conto loro. Randagi. Liberi. Vivono e lasciano vivere. Con una loro onestà di fondo. E la cosa non piace allo sceriffo e ai suoi scagnozzi che si sentono padroni della prateria… Primi sgarri. Pestano uno dei quattro. Poi lo ammazzano e riducono il ragazzino in fin di vita. E allora i due, Boss e Charlie, si scatenano. Vanno in città per fare giustizia…
Kevin Costner interpreta, dirige e produce un film western vecchio stile, con tutti i «pezzi» al posto giusto. I buoni, i cattivi, lo sceriffo, il medico, il barista del saloon, la prigione, la donna del cow-boy. Bello. E divertentissimo. Costner, si sa, ama la natura e i vecchi miti Usa. Qui la natura è garantita, grandi spazi, tanto verde, cavalli che corrono, fiori, tramonti, nuvoloni… Le praterie sono quelle dell’Alberta, in Canada, le montagne sono le Montagne Rocciose a ovest di Calgary, sempre in Canada, luoghi selvaggi e dall’acceso difficilissimo tanto che la produzione del film ha dovutto costruire una strada per poter cominciare le riprese. Il vecchio mito, romantico, è quello del West. Con questi uomini rudi che uccidono nel nome della Giustizia e dell’Onore (ma anche della santa vendetta), con il loro passato misterioso (da nascondere? da rimuovere?), con la loro vita comunque difficile. Ebbene qui quel vecchio West c’è tutto. Kevin Costner, uomo rude (per la verità quasi sempre con un’espressione sola…) con qualche fantasma del passato che ancora lo angustia, e il suo capo Boss, un uomo vecchio, il grande Robert Duvall, giusto, saggio a modo suo, con i piedi per terra e le mani che ben sanno maneggiare pistole e fucili. Con un andamento che, almeno all’inizio, è lento si snodano le vicende dei buoni e dei cattivi parallelamente alla storia d’amore tra il cow-boy e la bella Annette Benning. E grande sceneggiatura: fotogramma dopo fotogramma, i due protagonisti e i loro avversari sciorinano pillole di buon senso, ma anche tanta retorica, tanti luoghi comuni, tante cose che sembrano fuori dal tempo… Ma che divertono assai. Perché, mentre il film scorre, ci si domanda se Costner abbia voluto fare (anche) una parodia della sua vecchia passione… E se non fosse così? (d.c.i.)

Correndo con le forbici in mano

I genitori dell’adolescente Augusten vivono un momento di crisi coniugale: lei decide di rivolgersi a un terapista e improvvisamente le cose cambiano. Una serie di situazioni fuori dal comune colpiranno il giovane che sarà addirittura costretto a trasferirsi dall’analista quando la madre decide di proseguire la cura in

American Beauty

Cronaca della crisi di mezza età di Lester Burnham e della sua famiglia. Lui si innamora della compagna di liceo di sua figlia, abbandona il posto di lavoro, si mette a fare pesi e si dà agli spinelli. Intanto sua moglie incontra un altro…
American Beauty
non tollera mezze misure: o lo si ama alla follia o lo si detesta con tutto il cuore. Anche lo spettatore «critico» è stato altrettanto diviso: ora salutandolo come una piccola rivoluzione nella Hollywood del 2000, ora considerandolo un’ipocrita rimasticatura di altri film ben più irriconciliati. Che la si veda in un modo o nell’altro, l’opera prima di Sam Mendes presenta più di un motivo di interesse (almeno per una visione): la si può leggere come un’ulteriore prova della capacità fagocitante di Hollywood, oppure ci si può lasciar cullare dalla sua ironia (almeno nella prima parte). A chi scrive, però, più che il fondo politico dell’opera ha colpito la sua struttura narrativa, capace di coniugare stimoli diametralmente opposti (dal glamour stile «Lolita» alla videopoesia del cinema indipendente, dall’aggiornamento di un immaginario erotico vecchio di trent’anni ai dialoghi ricchi di una verve tipica di questo decennio).

Certamente
American Beauty
è un film molto più scritto e pensato di quanto non possa apparire. L’immagine è sempre il risultato di un’alchimia costruita guardando più al botteghino che all’espressione di un contenuto coerente e innovativo; tuttavia, nel panorama amorfo del cinema mainstream contemporaneo, rimane un interessante esperimento.
(carlo chatrian)

Valmont

La marchesa Marteuil, per vendicarsi dell’ex amante Gercourt che l’ha abbandonata per sposare la quindicenne Cécile, convince il visconte di Valmont a sedurre la giovane prima del matrimonio. Tratto da
Le realazioni pericolose
di Chordelos de Laclos, il film ebbe il torto di uscire contemporaneamente a un’altra pellicola di Stephen Frears – ben più fortunata – basata sullo stesso romanzo. Pur essendo pregevole nella confezione, questa versione comunque regge a fatica il confronto con quella più vitale e virtuosistica di Frears. Anche il cast è infinitamente meno interessante.
(andrea tagliacozzo)

I ragazzi stanno bene

Nic e Jules (Annette Bening e Julianne Moore) sono sposate e vivono in un’accogliente casetta fuori città nella California del Sud insieme ai loro figli adolescenti, Joni e Laser (Mia Wasikowska e Josh Hutcherson). Nic e Jules – o, come vengono soprannominate al plurale da Joni, “Moms” – hanno fatto nascere, hanno cresciuto i loro figli e sono riuscite a creare una vera famiglia composta da loro quattro.

Ma quando Joni si prepara ad andarsene per frequentare il college, il fratello quindicenne Laser la convince a fargli un grande favore. Vuole che Joni, ora diciottenne, lo aiuti a rintracciare il loro padre biologico; i due adolescenti sono stati concepiti, infatti, grazie all’inseminazione artificiale.

Sebbene poco convinta, Joni mantiene fede alla promessa fatta al fratello e riesce a prendere contatti con il loro “bio-papà” Paul (Mark Ruffalo), uno spensierato ristoratore.
I due ragazzi resteranno molto affascinati dallo stile di vita indipendente, da vero scapolo incallito, di Paul.

Anche Jules, che sta cercando di iniziare una nuova carriera come progettista di giardini, sentirà il desiderio di essere amica di Paul. Ma quando Paul farà il suo ingresso nella vita dell’atipico quartetto, inizierà per tutti loro un nuovo, inaspettato capitolo, in cui i legami di famiglia dovranno essere definiti di nuovo.

Indiziato di reato

Nel 1947, il regista David Merril, tornato a Hollywood dopo un soggiorno di lavoro in Francia, finisce nel mirino della commissione per le attività antiamericane presediuta dal senatore McCarthy. Rifiutatosi di collaborare, l’uomo non trova più nessuno disposto a produrre i suoi film. Poco esaltante esordio alla regia di Irwin Winkler (produttore di alcuni dei migliori film di Martin Scorsese). Anche De Niro, in questa occasione, appare leggermente sottotono. Lo stesso argomento aveva ispirato un film di gran lunga migliore come Il prestanome (di Martin Ritt, con Woody Allen). (andrea tagliacozzo)